tisdag 23 april 2019

Recension: Lonely Robots "Under stars" (Inside Out)


Och så är det dags att ta farväl av astronauten i John Mitchell’s (It Bites, Arena, Frost*) egna projekt med namnet LONELY ROBOT. Första plattan i trilogin, ”Please come home”, släpptes för fyra år sedan och 2017 kom del två, albumet ”The big dream”. Nu avslutas LONELY ROBOT’s äventyr med nya albumet ”Under stars”. Och för Er som är familjära med John Mitchell och hans något släpiga sångröst, vet vad Ni har att vänta Er. Och har Ni redan bekantat Er med LONELY ROBOT’s två tidigare album så är det här en mycket välkommen avslutning. Men John stänger inte helt dörren om sin astronaut…

John Mitchell är en hårt arbetande musiker som varit med och format och påverkat dagens engelska progressiva rock, kryddat med influenser från 80-talets engelska synthvåg. Första gången vi hörde talas om John var med det numera klassiska brittiska progbandet Arena, som John anslöt 1997, men det var först 2005 som hans namn blev mer omtalat i och med bandet Kino’s album ”Picture” kom ut. Det var här som John fick agera frontfigur i stor skala och alla skrev om plattan på ett mycket positivt sätt. Detta resulterade i samarbete med Jem Godfrey och bandet Frost* året efter, även han en gammal anhängare av brittisk synthpop och disco, vilket sedan har fortsatt på ytterligare tre studioplattor.

När It Bites återförenades 2003 så fungerade samarbetet med originalsångaren Francis Dunnery inte speciellt bra, så frågan kom tre år senare till John om att ersätta Francis. Eftersom It Bites var ett av Johns egna favoritband så accepterade han genast erbjudandet och det blev två studioplattor med det bandet, som numera är helt avsomnat. John’s signum fanns med på båda dessa plattor och rösten är en av dessa starka attribut som gör att man genast känner igen när Mitchell är inblandad.

Men han skriver också egen musik som har en klar ”John Mitchell-stämpel”. Det är till viss del progressiv rock men samtidigt väldigt mycket melodiös synthpop och kombinationen blir unik. Plattorna med LONELY ROBOT är lysande exempel på detta. Nya plattan, ”Under stars”, fortsätter på samma väg som de två tidigare albumen och det är bara att bocka och buga inför det som strömmar genom högtalarna, en fantastisk mix av Kino, It Bites, lite Porcupine Tree och några droppar Thomas Dolby och Nik Kershaw.

”Under stars” har naturligtvis ett tema och den här gången belyser vår astronaut den unga generationen som vuxit upp med datorer och telefoner som de inte kan slita sig från och baksidan av vårt beroende av teknologiska prylar. Musiken är ofta lågmäld och vacker och lyssna gärna lite extra på ”Authorship of our lives”, ”Under stars”, "How bright is the sun?" eller ”Icarus”, som är några lysande exempel på Mitchell’s popigare sida. När det kommer till de mer progressiva inslagen så rekommenderar jag ”Ancient ascendant” eller ”When gravity fails”. Men bäst är ”The only time I don’t belong is now” som faktiskt låter lite AOR.

Som tidigare så spelar John alla instrument själv, förutom trummor där Craig Blundell fått hoppa in. En grymt stark platta som avslutar trilogin om LONELY ROBOT!

Betyg: 8/10

It Bites ”—”
Thomas Dolby ”—”

1.       Terminal earth
2.       Ancient ascendant
3.       Icarus
4.       Under stars
5.       Authorship of our lives
6.       The signal
7.       The only time I don’t belong is now
8.       When gravity fails
9.       How bright is the sun?
10.   Inside this machine

11.   An ending

Här kan Du höra den vackra "How bright is the sun?"

Nästa smakprov är mer progressivt i form av låten "Ancient ascendant".


tisdag 12 mars 2019

Recension: Darkwater "Human" (Ulterium Records)



Progressiv metal är en genre som många förknippar med megabandet Dream Theater, och det finns en hel uppsjö av band som gör sitt yttersta att härma de amerikanska stilbildarna inom genren. De flesta av dessa band lyckas tyvärr ganska dåligt i försöken att vara nästa stora band och det är mer och mer sällan som jag själv hittar några guldkorn till band i den mängd som faktiskt finns. Men här i Sverige så finns det några mycket inspirerande och intressanta band som lyckats hitta en lite egen stil, starkt profilerad av svenska musikers förmåga som är så grymt duktiga på det melodiösa, oavsett musikstil.

Evergrey är vårt lands Dream Theater, som inspirerat många inom den tyngre metalen och som tidigt i sin karriär involverade progressiva element i sin musik. Numera är Evergrey stora över hela världen och har bildat skola för en lite mer melodiös progressiv metal, vilket resulterar i flertalet mycket intressanta svenska, och även norska, band, såsom Cloudscape, Andromeda, Mind’s Eye, Circus Maximus och Seventh Wonder. Och så har vi också, från Borås, gruppen DARKWATER, som hittills gett ut två mycket högklassiga album, ”Calling the earth to witness” från 2007 och ”Where stories end” som släpptes 2010. Bandet är nu aktuella med ett tredje album, ”Human”, som vi alltså fått vänta hela nio år på!

Om väntan varit lång så är bandet mer än förlåtna, då resultatet är något alldeles extra. Nya plattan är precis så bra som jag hade hoppats att Seventh Wonder’s ”Tiara” skulle vara när det albumet släpptes förra året, ett album som var en mindre besvikelse. Jämförelsen gör jag därför att DARKWATER har mycket likheter i stil och sångaren Henrik Båth är en alldeles lysande sångare som har en röst som påminner en hel del om Tommy Karevik. Vi får ett album som är späckat med nyskriven melodiös progressiv metal och speltiden på albumet är hela sjuttiosex minuter, men här finns ingen utfyllnad över huvud taget!

Inledande ”A new beginning” är så smakfullt grandios i arrangemangen, från keyboards, gitarr, samspelet mellan bas och trummor och så Henrik Båths röst ovanpå det. Det är grymt tajt och en imponerande stark inledning.
Men det blir bättre. Den suggestiva ”In front of you” har en något orientalisk touch och ett gitarr riff som hypnotiskt driver låten hela vägen in i mål efter nästan åtta minuter. Det här är en riktigt magisk stund och en stor favoritlåt just nu!
En kortare lugnare låt, kallad ”Alive (Part I)” går strax ihop med ”Alive (Part II)” och vi möts av en dramatisk vägg av ljud, stora synthkörer och taggiga gitarrer. Ännu ett stort epos på albumet.

Mest imponerande bland låtarna är den tolv minuter långa ”Reflection of a mind” och de är i de längsta spåren som DARKWATER briljerar. Man har flertalet mycket snygga idéer och man arrangerar ihop dessa på ett oerhört lysande sätt, allt låter så självklart. Det här är en platta som jag bara blir så glad över att lyssna på, även om flera av spåren är ganska mörka och tunga. Ett av dessa mörkare spår är ”The journey” som, trots sin tyngd, har en riktigt snygg refräng. Avslutningsvis vill jag även rekommendera Er att låna tio minuter av Era liv till att njuta av ”Turning pages” som går från tyngd och råhet till vackert och skört om vartannat, en inre resa för en trött själ och kanske en inspiration att vända blad och ta nya tag. Grymt snyggt är det i alla fall. Nio års väntan ger oss en överraskande och fantastisk musikupplevelse och DARKWATERs stora genombrott…hoppas jag!

Betyg: 9/10

1.       A new beginning
2.       In front of you
3.       Alive (Part I)
4.       Alive (Part II)
5.       Reflection of a mind
6.       Insomnia
7.       The journey
8.       Burdens
9.       Turning pages
10.   Light of dawn


Här kan Du höra den magiska låten "In front of you"!

måndag 11 mars 2019

Recension: Last In Line "II" (Frontiers)




Det som startade som ett jam projekt slutade med ett helt album på italienska Frontiers Records och en enig skara människor världen var eniga i sina hyllningar till bandet som en gång stod bakom några av metalvärldens största klassiker. Plattorna heter ”Holy diver”, ”Sacret heart” och ”Last in line”, tre album som för evigt satt spår i musikhistorien. Jag talar naturligtvis om Ronnie James Dio och hans band Dio, som bestod av trummisen Vinnie Appice, gitarristen Vivian Campbell, och bassisten Jimmy Bain bakom sångaren själv.

2011, ett år efter Dio’s tragiska bortgång, samlades Appice, Campbell och Bain i en replokal för att återuppleva gamla minnen, vilket sedan ledde till ytterligare ett rep och de rutinerade musikerna tyckte det var så roligt att man började spåna på att göra något tillsammans. Valet av sångare föll på den unga och färska sångaren Andrew Freeman som man råkat höra riva av en gammal Dio låt på ett sådant sätt att alla var eniga om att han var rätt man för jobbet.

Inledningsvis blev det ett fåtal lokala gig i Los Angeles, som sedan utökades till även Japan och England, som ett sorts tributeband till just Dio, men snart hade man också skrivit lite nytt material och i februari 2016 släpptes ”Heavy crown”, debutalbumet med gruppen LAST IN LINE (namnet naturligtvis taget från Dios album). Det blev en platta mycket i Dios anda, med riktigt snyggt låtmaterial, en metalplatta som många hade högt upp på sina ”best of”-listor det året.

Nu har LAST IN LINE släppt album nummer två och eftersom Jimmy Bain gick bort strax efter det att debutalbumet släppts så var man tvungen att snabbt hitta en ersätta för kommande turné. Valet föll på ex-Ozzy Osbourne bassisten Phil Soussan, och han har stannat kvar i bandet sedan dess. Nytt blod har också gett ett lite annorlunda sound på nya albumet, kort och gott kallat ”II”, och det har resulterat i ett mer varierat album.

Det låter mindre Dio och mer åt Lynch Mob i inledande ”Blackout the sun”, en lysande inledning där Andrew sjunger med stor pondus och trion musiker är grymt tajta. ”Landslide” är också grymt bra och ett spår som är ganska typiskt för inriktningen som det här bandet tagit. Varje låt har mycket mer detaljerade och intrikata arrangemang, där Vinnys trumspel sticker ut som ett starkt exempel, då det är få stunder han spelar ett rakt rocktempo. Kanske kan det skrämma bort en del som älskade den rakare metalen som debuten bjöd på, men jag tycker det här är en mycket intressant utveckling.

”Gods and tyrants” driver på med samma, nästa progressiva, anda och det är fantastiskt att höra en platta där allt låter så genomtänkt och självklart. Jag gillade debuten men det här var en positiv överraskning och det finns ytterligare en del riktigt bra spår här, såsom ”Give up the ghost” som låter lite Audioslave faktiskt, eller den annorlunda ”The unknown” som har en lugnare vers innan en explosiv och melodiös refräng brakar lös. En klart progressiv favorit på denna starka platta!

”Sword from the stone” är plattans längsta spår, men faktiskt inte längre än strax över sex minuter, vilket kan tyckas ovanligt, men det här är en låt med en stark refräng och ett härligt groove, trots ett ”hackigt” gitarr tema. Jag gillar också det tunga gitarr temat i ”Love and war” och Vivan är en fantastisk gitarrist, det visste jag sedan tidigare, men här är han i sitt esse.
LAST IN LINE har gått vidare soundmässigt och visar att det här bandet nu står på egna ben. En riktigt, riktigt bra platta!
Betyg: 9/10

Lynch Mob ”—”
Winger ”—”

1.       Intro
2.       Blackout the sun
3.       Landslide
4.       Gods and tyrants
5.       Year of the gun
6.       Give up the ghost
7.       The unknown
8.       Sword from the stone
9.       Electrified
10.   Love and war
11.   False flag
12.   The light


Här kan Du se videon till "Blackout the sun"!

tisdag 5 mars 2019

Recension: Mikael Erlandsson "Capricorn six" (AOR Heaven)



Göteborgsgrabben MIKAEL ERLANDSSON fortsätter att släppa musik oförtrutet, och speciellt i Japan är MIKAEL’s och hans band Last Autumn’s Dream väldigt stora. L.A.D. har till dags datum släppt hela fjorton album och strax innan jul så släpptes albumet ”Secret treasures” under bandnamnet MIKAEL ERLANDSSON & Last Autumn’s Dream. Detta album släpps nu i Europa, via AOR Heaven, som en soloplatta från MIKAEL, kallad ”Capricorn six”. Detta är naturligtvis rejält missvisande för alla fans, speciellt eftersom plattorna har samma omslag, men olika titlar, men så är det i branschen ibland. Så har Du redan införskaffat ”Secret treasures” för dyra pengar från Japan, så behöver Du inte den här plattan också, då det är samma tio spår solo med ERLANDSSON. På Japan upplagan finns det även fyra extraspår, nya remixade versioner från L.A.D’s andra platta, ”II”.

Nåväl, MIKAEL ERLANDSSON har en karaktäristisk röst som gör att man lätt känner igen honom och det är på gott och ont. Han har ju även släppt två plattor med banden Love Under Cover och Salute, och rösten gör sitt att man tveklöst jämför med Last Autumn’s Dream. På ”Capricorn six”, som skall vara MIKAEL ERLANDSSON’s sjätte soloalbum, så är förvirring än mer total, då det faktiskt låter som ett nytt L.A.D. album. MEN…

MIKAEL har använt sig av andra musiker, Sayit Dölen på gitarr, Pontus Engberg på trummor och Joel Starander på bas, alla kända Göteborgsmusiker, och inledningsvis så är det svårt att skilja den här plattan mot något annat som MIKAEL ERLANDSSON är inblandad i och mer eller mindre omöjligt att särskilja från någon av L.A.D’s plattor. Det låter helt enkelt MIKEAL ERLANDSSON, kompetent skrivet, melodiöst och snygg, men samtidigt något trist.

Jag har sedan länge valt att släppa bandet Last Autumn’s Dream, för det låter likadant platta efter platta, det blir repetitivt och de två första plattornas kvalitet lär det bandet aldrig komma tillbaka till. Sedan kan man kanske undra varför man släpper en soloplatta som låter exakt likadant som något av albumen med sitt band?

Det verkar som att jag klagar en hel del, men jag beundrar faktiskt MIKAEL ERLANDSSON samtidigt. Han är en duktig låtskrivare, en jävel på att sjunga och det låter alltid proffsigt om allt som han tar i. Men jag hade hoppats att han vågade ta sig utanför sin box och pröva något nytt och det behöver inte falla alltför långt utanför sina normala, men låta lite annorlunda. Nu har han valt att ”låta som vanligt”, och visst kommer många japanska fans att älska det här. Bäst på den här plattan är låten ”Had to let you go”, en stark ballad med en refräng som verkligen berör. ”Why” är också bra och en ganska typisk komposition från den här mannen, och i ”Evil” blir det lite tyngre och MIKAELs röst raspar likt ett rakblad mot hörlurarnas membran.

”Capricorn six” är klassisk melodiös rock, där jag hade önskat att man vågat ta ut svängarna lite. Det är ett helt okej låtmaterial, men lite stereotypt och tråkigt…

Betyg: 6/10

Last Autumn’s Dream ”—”
Love Under Cover ”—”

1.       Eye of the hurricane
2.       Why
3.       Pain
4.       Evil
5.       Had to letyou go
6.       Break another heart
7.       Fear the people
8.       Ok
9.       I just wanna love ya
10.   Alice in Wonderland


Här kan du höra låten "Break another heart"!

måndag 18 februari 2019

Recension: Toby Hitchcock "Reckoning (Frontiers)



Tillsammans med svenske trummisen och producenten Daniel Flores och svenske gitarristen Michael Palace så passar amerikanske sångaren TOBY HITCHCOCK på att släppa sitt andra soloalbum, när kollegan i Pride Of Lions, Jim Peterik, är i full gång med att färdigställa ett nytt album med ett av sina andra band, World Stage. Ja, för Er som inte riktigt har koll på vem TOBY HITCHCOCK är, så slog han väl mer eller mindre ned som en bomb, när det självbetitlade debutalbumet med bandet Pride Of Lions släpptes för 16 år sedan. Jim Peterik, som ju har ett förflutet i det klassiska amerikanska bandet Survivor, och skrivit odödliga hits som ”Eye of the tiger” och ”Burning heart”, hörde TOBY i en studio av en slump och insåg direkt att han var tvungen att göra något tillsammans med honom.

Efter ytterligare fyra studioplattor med Pride Of Lions så har man lagt bandet på is ett tag, bland annat för att Peterik skall ägna sig åt andra musikaliska äventyr. Då passar alltså TOBY på att förverkliga sina. TOBY har beskrivits som en hybrid av Toto’s Bobby Kimball (en ung sådan!). Styx’s Dennis De Young och Lou Gramm från Foreigner, men samtidigt så har TOBY HITCHCOCK naturligtvis en helt egen röst som är oerhört kraftfull och känslofull.

Nya albumet heter ”Reckoning” och man får ganska naturligt en viss känsla av Pride Of Lions när man hör inledande ”No surrender”, men samtidigt så låter det också Daniel Flores om den här låten, typ bandet Find Me. Det är AOR på hög nivå, fylld med massor av dramatik och då jag ansåg att senaste Pride Of Lions-plattan var ganska svag så är det kul att det här betydligt bättre. ”No surrender” är en suverän inledning och även ”Promise me” är en härligt ”stor” AOR-dänga, med en härlig vers med massor av keyboards som leder fram till en riktig ”killer”-refräng.

Balladen ”Show me how to live” är alltför blödig i min smak och låter mer som smörig, kristen pop, men TOBY sjunger oerhört starkt och man förstår att det här är ett spår som han känner mycket för. Mig tilltalar den dock inte.
Nej, vi glömmer spår tre och hoppar istället direkt till nästa spår, ”Behind the lies” där TOBY är tillbaka i det härligt svulstiga AOR träsket, med massor av härliga keyboardmattor! Och det fortsätter även på ”Fighting for my life” och ”Serenity”, som är två av de starkare spåren på albumet.
Men bäst på albumet är den makalösa ”Queen untouchable”, ett spår som inte släpper taget om mig, med en riktigt stark refräng och suverän inlevelse i sången från TOBY.

Plattans fyra sista spår går i samma melodiösa still men det är kanske bara avslutande ”Someone like you” som håller samma standard som de bästa på det här albumet. En grymt stark sångare som här får svensk hjälp att göra en riktigt bra AOR platta!

Betyg: 8/10

Pride Of Lions ”—”
Find Me ”—”

1.       No surrender
2.       Promise me
3.       Show me how to live
4.       Behind the lies
5.       Fighting for my life
6.       Serenity
7.       Queen untouchable
8.       Gift of flight
9.       Don’t leave
10.   This is our world
11.   Someone like you


Här ser Du videon till låten "Promise me"!

tisdag 12 februari 2019

Recension: Starbreaker "Dysphoria" (Frontiers)



Tony Harnell åker ut och in ur bandet TNT, men nu undrar jag om han någonsin kommer att återvända till sitt forna band, efter utträdet för snart två år sedan. Återigen är det fokus på bandet STARBREAKER istället, ett samarbete som startade redan 2005 tillsammans med Primal Fear-gitarristen Magnus Karlsson Det som började som ett sidoprojekt för Harnell, med debutalbumet från 2005, blev sedermera en huvudsyssla på album nummer två, ”Love’s dying wish”, som släpptes tre år senare.

Debuten var en härligt tung platta med snygga melodiösa låtar, och förutom Harnell och Karlsson fanns också trummisen John Macaluso och bassisten Fabrizio Grossi med i inledningen. Men Fabrizio byttes ut inför album nummer två, och bassisten heter fortfarande Jonni Lightfoot på album nummer tre, ”Dysphoria”, som precis släppts ut på marknaden, elva år efter senaste albumet.

Att höra Tony Harnells höga och ljusa stämma är alltid en fröjd för öronen. Vem har inte mästerverk som TNT’s ”Tell no tales” och ”Intuition” i sin samling att njuta till när andan faller på, plattor som bör finnas i varje sann rockares samling. Därför är det extra intressant med den här plattan, då det var evigheter sedan som vi hörde Tony sjunga rock. Ett tag turnérade han med Skid Row, men det har inte spelats in någon platta med det bandet och med senaste återinträdet med TNT så blev det heller inget inspelat. Om inte jag räknat helt fel så var det faktiskt med förra STARBREAKER plattan som Tony senast rockade till det med attityd! Då räknar jag inte med de loja plattorna i eget namn, med stil mer mot poprock och americana, som han släppt under tiden.

Jag var inte speciellt förtjust i ”Love’s dying wish”, som var flera snäpp tyngre och mörkare än STARBREAKERs debutalbum och nya plattan ”Dysphoria” inleder med ren ondska och rejäl fart i låten ”Pure evil”, en låt som mycket väl skulle kunna komma från ”Love’s dying wish”. Det här var inte riktigt vad jag hoppats på, men efter de inledande power metal tongångarna så blir ”Dysphoria” ett riktigt varierat album, med ytterligare nio mycket snygga låtar som varierar från ballad till melodiös metal.

En av de spår som vi hörde innan albumet släpptes, såsom ett smakprov via YouTube, är ”Wild butterflies”, som är en av plattans starkare spår. Även ”Last December” är ett snyggt melodiöst metalspår, där Tony Harnells röst får det att låta lite gammal hederlig TNT-klass, om det inte vore för Karlssons tyngre gitarrspel.
Melodiöst blir det också i ”My heart belongs to you” och låtarna ”Fire away” och ”Bright star blind me”, som vi hittar lite längre ner i låtlistan, är lysande exempel på Magnus Karlssons låtskrivartalang. Det handlar om melodiös hårdrock och passar Harnell’s röst perfekt.
Största utropstecknen på den här plattan är faktiskt de två lugnaste spåren, den supervackra balladen ”Beautiful one”, där Tony sjunger med en sådan känsla att man ryser i hela kroppen, och ”How many more goodbyes”, som inleder lugnt för att strax gå över i en tung refräng som åtminstone jag inte kan få ur skallen.

Nya STARBREAKER plattan är sannerligen efterlängtad, inte minst för att få höra Tony Harnell sjunga rock igen. Men samtidigt så är det här precis den platta som vi hoppades på, tung rock men utan alltför mycket powermetal, samt en röst som tillhör en av de bästa i världen. Bandet avslutar med en cover, ”Starbreaker” från Judas Priest’s låtskatt, men bandet eget material är betydligt mer intressant. En härlig återkomst för både bandet STARBREAKER och för Tony Harnell!!

Betyg: 8/10

TNT ”—”
Pretty Maids ”—”

1.       Pure evil
2.       Wild butterflies
3.       Last December
4.       My heart belongs to you
5.       Beautiful one
6.       Dysphoria
7.       How many more goodbyes
8.       Fire away
9.       Bright star blind me
10.   Starbreaker


Här kan Du höra låten "Wild butterflies"!

tisdag 5 februari 2019

Recension: Inglorious "Ride to nowhere" (Frontiers)



Platta nummer tre från ”The future of British Rock”, enligt Classic Rock Magazine, bandet INGLORIOUS. Det här bandet slog sig fram med dunder och brak, och lite hjälp från italienska skivbolaget Frontiers Records, 2016 med sitt självbetitlade album. Det visade sig att Serafino Perugino, som är Frontiers Records grundare, satsat helt rätt, då det är en av det bolagets största säljare de senaste åren. Uppföljaren kom redan året efter, ”II”, och var lite tyngre men fortfarande ett bevis på att INGLORIOUS var på väg att bli något stort. När nu bandet är klart med album nummer tre så låter de inte riktigt lika skitiga som tidigare, men det är en fröjd att höra sångaren Nathan James i högform.

Bandet spenderade större delen av 2018 i en studio, och än en gång så är det den legendariske producenten Kevin Shirley (Aerosmith, Led Zeppelin) som mixat ljudbilden och rattat de ljudfiler som grabbarna spelat in. Resultatet är över förväntan faktiskt. Nathan har tonat ner lite på de högsta tonerna och sjunger mer ”normalt” och ibland närmar han sig David Coverdale i coolhet och känslighet.

Nya albumet heter ”Ride to nowhere” och har kanske inte världens mest iögonfallande omslagsbild, men musiken är värd all vikt i guld.  Plattan inleder med första singelsläppet, den härligt melodiösa ”Where are you know?”, en av många favoriter på den här CD’n. En grym refräng som gör att åtminstone jag inte kan sitta still!
Även ”Freak show” har en stark refräng och det är en tajt låt där hela bandet står i centrum. Det låter ”live” och Kevin Shirley är en mästare på att få det att låta organiskt och analogt bland alla ettor och nollor. Sedan kan man ju också välja att inhandla den här plattan på vinyl så blir det än mer analogt!

Lugnare blir det i ”Never alone” som går i ”falsk valstakt”, och vilken röst Nathan har och hur han bevisar vart skåpet ska stå. En riktig gåshudslåt!
”Tomorrow” låter väldigt mycket Whitesnake, speciellt i refrängen, som är grymt snygg och melodiös. Tillhör definitivt ett av de starkaste spåren på plattan och på låten ”Queen” så påminns jag av Richie Kotzen, lite funk och soul som smyger sig in i den feta rocken. Lyssna speciellt på det korta men hejdlöst härliga solot.

”Liar” har också en smittande refräng, det svänger grymt och tajt, precis som det också gör i låten ”Time to go” och efter dessa två spår så inser jag också att INGLORIOUS lämnat de 70-talsinspirerade två tidigare plattorna för en mer modern approach, och det är ett lyckokast då det här kan vara en av årets bästa rockplattor som släpps redan i januari.
Med ett lite annorlunda sound, större variation i låtmaterialet, elva nya spår och ett tajtare sound så levererar INGLORIOUS ett superstarkt album som jag härmed rekommenderar alla att införskaffa!

Betyg: 9/10
Rival Sons ”—”
Bad Company ”--

1.       Where are you know?
2.       Freak show
3.       Never alone
4.       Tomorrow
5.       Queen
6.       Liar
7.       Time to go
8.       I don’t know you
9.       While she sleeps
10.   Ride to nowhere
11.   Glory days


Här kan du höra plattans inledande spår "Where are you know?" !

tisdag 29 januari 2019

Recension: Come Taste The Band "Reignition" (AOR Heaven)



Bandet COME TASTE THE BAND kommer från Norge och har funnits sedan 1997. Inledningsvis så spelade man uteslutande covers av Deep Purple och släppte även två album med Deep Purple låtar; ”A tribute to Deep Purple” 1999 och ”Live” 2006. De här grabbarna gjorde sin grej så bra att man skapade sig ett erkännande och rykte hos publiken som även nådde medlemmarna i Deep Purple, vilket innebar att Glenn Hughes började ett samarbete med bandet 2007 på en stor norsk festival, kallad ”Kartfestivalen”, ett samarbete som varade till 2010 när Hughes hoppade av och istället startade sitt Black Country Communion.
Men 2011 så var det nästa Deep Purple sångare som hörde av sig, ingen mindre än Joe Lynn Turner, som ju också varit medlem i Rainbow. Repertoaren utvidgades till att även innehålla låtar från Rainbows låtlista och mellan 2012 och 2014 turnérade bandet tillsammans. Under tiden spelades även två låtar in som JLT skrivit tillsammans med Jo Henning Kaasin och Ståle Naas, CTTB’s gitarrist och bassist. Dessa två spår, ”Tied down” och ”Don’t let me bleed” finns med på bandets första platta med eget material som precis släppts på AOR Heaven.

2014 gjorde bandet konserter med två tidigare Rainbow sångare, Doogie White och Graham Bonnet och på ett hörn så fanns också den norske mästersångaren Jorn Lande med. Doogie har hållit kontakten med bandet sedan dess och spelat in sju nyskrivna låtar för bandet. Dessa sju, plus tidigare två nämnda spår finns nu alltså släppta på plattan ”Reignition”. Det är alltså ett slags 20års jubileum två år för sent som firas med att bandet, som turnérat med några av de största sångarna i rockhistorien, nu släpper sitt första album med eget material. Och som de gör det också!

Det är väl ganska få som fortfarande tycker att Deep Purple har något kvar att ge och nya uppsättningen med Rainbow var väl ett skämt, eller? Därför är det så härligt att höra att det finns någon som för arvet vidare och COME TASTE THE BAND gör det överraskande bra. Det låter en hel del Deep Purple, mest Mark I i stil, men också tidiga Rainbow och låtarna är faktiskt riktigt bra, bättre än vad jag hade kunnat förställa mig. Live ska bandet tydligen vara grymma när de river av de gamla klassiska Deep Purple låtarna. Nu kanske de också kan göra sina egna låtar till klassiker, vem vet!

Doogie White gör sin insats grymt bra och JLT är alltid JLT, men det ska fan vara sångare i det här bandet, för det finns faktiskt en sådan som är stadigvarande. Vidar Heidal heter han och han var med och bildade COME TASTE THE BAND för 22 år sedan och är en av två originalmedlemmar som fortfarande är kvar. Men han får bara vara med som bakgrundssångare på ett av plattans nio spår, stackarn…

Betyg: 8/10

Deep Purple ”—”
Rainbow ”—”

1.       Not that kind of man
2.       Under your skin
3.       Slave for your love
4.       Black rose
5.       Tide down
6.       Don’t let me bleed
7.       Fools in the night
8.       Cradle to grave
9.       So long old friend


Här kan du höra låten "Tied down" där Joe Lynn Turner sjunger!

söndag 27 januari 2019

Recension: Steve Hackett "At the edge of light" (Inside Out)



Efter ett kortare uppehåll i utgivningarna så är jag nu tillbaks på ett nytt år med nya möjligheter där vi kommer att få se gamla, såväl som nya namn dyka upp på den här bloggen. Först ut 2019 i min CD-spelare har varit STEVE HACKETT, en av den progressiva rockens största profiler, som startade sin karriär i det klassiska rockbandet Genesis, men som till dags dato faktiskt släppt hela 26 album i eget namn. Det tjugosjätte heter ”At the edge of light” har precis släppts, naturligtvis i flera olika varianter. Men nästan femtiofem minuter nyskriven musik blir det i alla fallen, oavsett vilken version man väljer.

HACKETT, som fyller 68 år den 12.e februari, är en musiker som alltid gått sin egen väg och också skapat sig ett helt eget uttryck och sound. Han använder sig ofta av udda instrument, bjuder in duktiga, men mindre namnkunniga musiker, på instrument som vi västerlänningar knappt hört talas om. Han överbryggar olika musikstilar, skriver och spelar sin musik från klassisk musik, via ”världsmusik” till rent popiga stunder. Ja, det är få musiker som verkligen passar in så bra inom epitetet progressiv musik som just STEVE HACKETT.

Dock har han på senaste albumen stagnerat något och upprepat sig en del, idéerna har verkat ta slut och jag hade därför inte alltför stora förhoppningar om att han ändrat på den trenden på nya albumet. Men, ack vad jag har fel! Ja, stilen är visserligen densamma, det spretar åt olika håll där STEVE HACKETT’s signatur är det enda som håller samman konceptet. Men vi får oss tillgodo tio spår som är det bästa som HACKETT skrivit på många år.

Man skulle kunna tro att ”At the edge of light” kunde vara en konceptuell platta, då de flesta spåren hänger ihop utan avbrott, men det förnekar HACKETT. Flera av låtarna är ändå reflektioner över det mörker som håller på att täcka större delen av vår värld, med främlingsfientlighet, miljöförstörelse och maktgalna ledare. I ”Beasts in our time” sjunger HACKETT om just de mörka krafter som vill få oss andra att tro att det är vilken del av världen som du härstammar ifrån som talar om din kompetens och din duglighet. En ideologi som även krupit sig in i ett så upplyst land som vårt eget. Låten inleder lugnt och vackert, för att mot slutet övergå i ett furiöst instrumentalt parti där STEVE HACKETT använder sin gitarr på ett tyngre sätt än normalt och där Rob Townsend brölar i sin saxofon i bakgrunden.

”Under the eye of the sun” var första låten som släpptes från det här albumet, en positivt laddad låt, med ett snyggt gitarrtema och ett hav av stämmor, vackert sjungna av HACKETT själv.
På ”Underground railroad” får STEVE hjälp med sången av inga mindre än Durga och Lorelei McBroom, mer kända för sitt samarbete med Pink Floyd. Det här är ett spår där STEVE plockar fram sin dobro och det blir lite bluesig gospel med en viss bluegrass-feeling, innan trummor drar igång och ett instrumentalt parti med olika grymt häftiga teman följer .

Längsta spåret på albumet heter ”Those golden wings” och inleder med vackra stråkar, innan en ensam gitarr och STEVEs röst tar vid. Men strax drar hela bandet igång i den oerhört vackra refrängen och det här är otvivelaktigt plattans stora höjdpunkt. Efter två refränger så börjar ett långt och mäktigt instrumentalt stycke, som spretar hit och dit, från stort körverk till hård rock. Ett mycket spännande stycke musik och en HACKETT när han är som bäst!
I ”Shadow and flame” drar HACKETT och gänget till Indien och sitarspelaren Sheema Mukherjee får visa upp sig till ackompanjemang av trummisens stora trumsound.
Avslutande spåren ”Descent”, ”Conflict” och ”Peace” är en trilogi där inledande ”Descent” kan jämföras med Ravels ”Bolero” med en gnutta mer dramaturgi, som övergår i den korta, men mäktiga ”Conflict” som låter som ett Bond-tema. Det är tur att det avslutas med något mer positivt i ”Peace”, ett spår som är destinerat att bli en ny HACKETT klassiker, med vackra harmonier och stora körer.

STEVE HACKETT brukar alltid leverera intressant musik, men den här gången så har han levererat sin intressantaste platta på bra många år!

Betyg: 9/10
Steve Hackett ”To watch the storms”
Steve Hackett ”Wild orchids”

1.       Fallen walls and pedestals
2.       Beasts in our time
3.       Under the eye of the sun
4.       Underground railroad
5.       Those golden wings
6.        Shadow and flame
7.       Hungry years
8.       Descent
9.       Conflict
10.   Peace


Här kan Du se videon till låten "Beasts in our time"!

måndag 26 november 2018

Recension: Roine Stolt's The Flower King "Manifesto of an alchemist" (Inside Out)








Musikern ROINE STOLT är nog en av de mest aktiva i Sverige och som gjort otroligt mycket musik genom åren, men som är näst intill okänd för den stora massan musikkonsumenter. Han startade sin karriär som 18-åring i det klassiska bandet Kaipa, som släppte sitt debutalbum redan 1975. Sedan dess så har det faktiskt blivit strax över femtio skivreleaser med olika band, förutom Kaipa också Flower Kings, Transatlantic, Agents Of Mercy, The Tangent, Jon Anderson, nya bandet The Sea Within, samt ett gäng soloalbum. I de flesta av dessa band har han varit bandledare och huvudsaklig låtskrivare, vilket gör honom till unik, då han också spelar i stort sett vilket instrument som helst, förutom trummor.

Så var fallet på det egna albumet ”The flower king”, som släpptes 1994, och som blev något av en språngbräda ut i den internationella musikaliska världen. Efter tre album med Kaipa så lämnade ROINE bandet 1978, och sedan var det ganska tyst om honom, fram till att ”The flower king” släpptes. ROINE gav sig ut på turné med ett band som senare blev gruppen Flower Kings. 1999 skrev bandet på ett kontrakt med tyska Inside Out, som släppte ”The flower king” och ytterligare fyra plattor med bandet som man hittills hunnit släppa och nu tog allt fart på allvar.

Genom åren så har ROINE STOLT varit väldigt framgångsrik i en smal musikstil, som visserligen blivit bredare med åren, men hade världen varit rättvis så hade ROINE varit mångmiljonär och en kändis över hela världen. Men det är nog samtidigt tur att det inte är så, då ROINE haft fria musikaliska visioner som alltid varit intressanta och ofta alldels lysande briljanta. Bandet Flower Kings är det mest framgångsrika konceptet och också det mest långlivade, som skapat fantastiska plattor som ”Stardust we are”, ”Unfold the future”, ”Paradox hotel” och bandets senaste platta ”Desolation rose”, som släpptes 2013.

Bandet Flower Kings ligger numera helt nere, men man vet aldrig med ROINE STOLT och nyheten om att han samlat ihop lite gammalt och nytt folk och skulle ut på turné med Flower Kings låtar skapade hopp om en ny platta. Det kom också, men det här är mer en soloplatta än ett bandprojekt och heter följaktligen ROINE STOLT’s THE FLOWER KING, som en sorts fortsättning på soloplattan ”The flower king”. Faktum är att det finns vissa spår på det här albumet som härstammar från tidig Flower Kings era och som inte passat in i något av ROINEs olika projekt, förrän nu.

ROINE sjunger i stort sett alla låtar själv på nya plattan, som fått namnet ”Manifesto of an alchemist”, till skillnad från Flower Kings, där Hasse Fröberg tog en stor del av det ansvaret. Hasse finns med, men bara med körsång och även Nad Sylvan står som sångare på albumet. Övriga musiker är ROINEs bror Michael Stolt, och Jonas Reingold, som båda tidigare fanns med i gruppen Flower Kings och alltså är det ”gamla” folket. ROINE står för alla gitarrer och också en hel del keyboard, men Max Lorentz och nya förmågan Zach Kamins, som också kommer att finnas med på turnén, spelar också keyboard här. På trummor hittar vi ingen mindre än Marco Minnemann, som kommer att ersättas av en annan ny förmåga på turnén, Mirko DiMaio.

”Manifesto of an alchemist” presenterar tio nya spår och en speltid på närmare sjuttio minuter. Allt är inspelat under relativt kort tid och ljudbilden är något sämre än vad man annars brukar få från ROINE oavsett vilket band. Man började inspelningarna i början av juli och låtarna var färdigmixade i mitten av augusti så det gick ovanligt fort och få pålägg är gjorda enligt ROINE.
Inledande ”Lost America” är en klassiskt formad STOLT-komposition med grymt snygga och melodiösa sångverser och refräng, men där det naturligtvis också petas in progressiva instrumentala delar och hela anrättningen är i toppklass. Texten är samtida och samhällskritisk, vilket flertalet av albumets låtar är.
”Ze pawns” har en smygande början och ROINE närmast viskar fram sången inledningsvis, och det här är ett annat av plattans starkare spår, också den med ett tydligt politiskt budskap.

Plattans längsta spår heter ”High road” och är en typisk Flower Kings låt, med starka influenser från Yes, snygg melodiös sång och intrikata musikaliska infall däremellan. ”Rio Grande” följer därefter och är en instrumental sak som går från melodiöst till mer jazzigt meditativt mot andra delen av spåret Hela tiden med en stark Flower Kings känsla, och ett välkänt sound skapat av ROINE STOLT.
”Next to a hurricane” är en vacker och snygg låt med en stark refräng och sedan följer låten ”The alchemist” som ändrar stil mot en jazzig progressiv rock med vassa kanter. Dessutom är det här ännu ett instrumentalt stycke, där Rob Townsend får mycket utrymme med sin saxofon.
Efter en kortare Beatles-influerad poplåt, ”Baby angels”, så hittar vi ytterligare ett snyggt instrumentalt nummer i ”Six thirty wake-up”, innan plattan avslutas med ytterligare en längre välkostymerad låt, kallad ”The spell of money”, i vilken alla kända attribut när det gäller ROINE STOLT finns med.


Det spelar egentligen inte någon roll om det står The Flower Kings eller ROINE STOLT’s THE FLOWER KING på albumet, det går inte att ta miste på vem som skrivit musiken. Jag gillar det här albumet, betydligt mer än jag gillade ROINE’s nya supergrupp The Sea Within som släppte sitt första album tidigare i år. Ett nytt lysande exempel på att ROINE STOLT borde ha mer uppmärksamhet i det svenska musiklivet. Ett musikaliskt geni som knutit till sig geniala musiker – det kan inte bli fel!

Betyg: 9/10

The Flower Kings ”—”
Transatlantic ”—”

1.       Rainsong
2.       Lost America
3.       Ze pawns
4.       High road
5.       Rio Grande
6.       Next to a hurricane
7.       The alchemist
8.       Baby angels
9.       Six thirty wake-up
10.   The spell of money

 Lyssna och njut till inledande "Lost America" här!